Crítica
O diretor Martin Scorsese é reconhecido em qualquer relato como uma figura obcecada. Principalmente, obcecado por filmes. Um verdadeiro dicionário humano de referências cinematográficas, o cara é um verdadeiro filme-nerd. Entre suas marcas está a forma de trabalhar drama, suspense e comédia em proporções dosadas com domínio técnico refinado semelhante a poucos outros realizadores vivos. Para além disso, é o idealizador e organizador de uma das principais instituições de preservação de filmes do mundo, a The Film Foundation. Ao assistir Assassinos da Lua das Flores, não consigo deixar de pensar no histórico da recepção de seus filmes pela indústria estadunidense ao longo dos anos: de realizador indie semi-fracassado para uma lenda viva do Cinema, em entrevistas recentes menciona com pessimismo esta recepção positiva tardia, quando sua idade avançada já não lhe permite contar as histórias que ainda queria contar.
Se o seu lançamento anterior, O Irlandês, pela Netflix, condensa toda a percepção de que o Scorsese é um descendente de italianos que só sabe fazer filmes de máfia (não apenas sabe, como revisita e dialoga com o gênero metalinguisticamente), assistir Lua das Flores me faz perceber outra face sua: a de um senhorzinho apaixonado pelo potencial do Cinema em contar histórias (de um país, de pessoas, de um povo).
O filme é contextualizado no início do século XX, quando a descoberta do petróleo tornou a nação indígena Osage um povo riquíssimo. Tanta riqueza atraiu os empresários brancos, que manipularam, extorquiram e roubaram o dinheiro do povo Osage de formas diversas, culminando em um genocídio institucionalizado deste povo. A obra possui uma abordagem histórica, crua e naturalista que dispensa trejeitos clássicos do realizador como a romantização comedida da violência, o humor mórbido e os personagens descolados. Um reflexo de uma fase mais silenciosa adotada pelo diretor nos últimos anos. Aqui, o cineasta faz o seu melhor para contar a história do povo Osage do seu ponto de vista de velho branco novaiorquino cineasta milionário, respeitando a adaptação dos fatos reais através de ferramentas mais diretas, focadas e enfatizadas na construção dos personagens sem deixar de aplicar uma perspectiva sensível de artista perante a dureza da trama.
É importante lembrar que o Scorsese é um intelectual do Cinema e um ser humano completamente consciente da sua posição enquanto realizador e pesquisador: chegada a hora de fazer a sua versão de um western (o gênero que vendeu por muitos anos a ascensão épica dos Estados Unidos), ao invés de seguir com a exaltação pitoresca dos cowboys, opta por reafirmar seu estilo gangsterista, apresentando um contraste claro e seco da violência norte-americana e um retrato evidente da ganância humana. No lugar de contar uma história de suspense descolada e misteriosa sobre uma das primeiras atuações do FBI nos Estados Unidos, acompanhando os investigadores e transformando o filme num thriller de suspense e drama — o que era mais mais parecido com o caminho do roteiro original escrito por Eric Roth (roteirista muito competente responsável por Forrest Gump e O Informante) baseado no livro de David Grann, o diretor — mais comedido, segue um caminho que busca destacar o protagonismo dos Osage neste capítulo trágico da história humana, realizando um filme pautado em diálogos, personagens e suas relações complexas, muitas vezes bifurcadas.
O filme é comprido e abusa de preceitos clássicos de mapeamento de cinema: atores e câmeras posicionados em 3/4, panoramas explicativos, planos com ricas profundidades de campo, tudo evidenciando que o espectador está diante de um filme realizado pelos mais compententes e sensíveis realizadores do Cinema de dinheiro alto. Não é uma obra tecnicamente ousada, no sentido de trazer novidade, no lugar disso é impecavelmente bem amarrada pelo amplo conhecimento técnico e narrativo dos seus realizadores, o que afunila a atenção do espectador para o que realmente importa: a história. É simples, clássico e bem feito, apesar de caro.
Agora um parágrafo mais técnico/nerd sobre quatro momentos do filme que evidenciam bem esta relação entre qualidade técnica e sensibilidade artística: A montagem é muito eficaz. Duas ou três vezes, uma trucagem entre movimento de câmera e crossfade rápido dão a sensação de que um cenário se transforma em outro, enquanto os flashbacks são ágeis e muito bem ritmados; As cenas que se passam na prisão são “pobremente” iluminadas, deixando os detalhes do cenário na escuridão, lembrando a composição de uma peça de teatro barata. Nestes momentos, as câmeras são sempre posicionadas na altura do olhar dos personagens interlocutores, os diálogos sugerem imersão através da perspectiva de cada um deles, ressaltando o naturalismo; O genocídio do povo Osage é simbolizado pelo adoecimento lento e progressivo da personagem Mollie que é silenciosamente envenenada pelo próprio marido, uma metáfora para a relação entre os brancos e os Osage durante toda a trama; O desfecho em formato de rádio-novela e com a participação especial do próprio Scorsese sugerem a lembrança dos fatos reais pela desconstrução do sensacionalismo, o olhar se afasta da ficção e volta para a importância dos fatos históricos através de um breve momento que brinca com dramaturgia e metalinguagem. É uma proposta menos épica e mais realista que brinca, ironicamente e de forma inteligente, com o lúdico.
Merece destaque como a trama se beneficia ao destacar a relação peculiar entre os personagens do DiCaprio e da Lily Gladstone (esta última numa atuação minimalista, rica em nuances): um casamento que nunca se entende se foi arranjado ou não, personagens que nunca deixam claro o funcionamento do seu amor, tudo funciona muito bem como metáfora do contexto, a relação complicada que se estabelecia nas terras da nação Osage no início do século XX.
Por fim, um comentário sobre a peculiaridade do protagonismo de um personagem desprezível: No início do filme, Ernest Buckhart é o tipo branco burro que aprende sobre o povo Osage num livro infantil ilustrado. Um trecho do livro que se destaca é uma figura de um campo gramado onde se escondem coiotes, predadores sorrateiros — “Você consegue encontrar os coiotes nesta figura?”. — Mais para o final do filme, o personagem entrega de bandeja toda sua fraqueza mental ao ser manipulado por quem quer que esteja aplicando mais poder sobre suas decisões no momento. Planos abertos em câmera subjetiva entregam cenários repletos de personagens suspeitos olhando diretamente para a câmera: familiares manipuladores ou agentes do FBI persuasivos. É um posicionamento da autoria do filme que tenta contar uma história que não é sua e também a culminância do dilema do protagonista simbolizada, uma provocação ao público que assiste ao filme do mesmo modo que o personagem leu num livro: qual a sua posição na cadeia alimentar?
Ilustração
Assassinos da Lua das Flores metaforiza toda a relação entre o povo branco e a nação Osage no início do séc. XX através do casamento confuso e cheio de intenções indefinidas ou obscuras de Mollie e Ernest. A ilustração enfatiza os protagonistas simbolicamente.
Os olhares sugerem a intenção de cada um: Mollie desconfia do marido enquanto Ernest desconfia de quem se aproxima, olhando para a “câmera” (o espectador da ilustração, sim, você), protetivo com a esposa. O gesto de sobrepôr as mãos sobre o corpo apequenado de Mollie, assim como as desproporções de tamanhos expressionistas entre as duas figuras, sugerem essa relação dupla e violenta da sobreposição de um povo sobre o outro, disfarçado de companheirismo.
Outra opção deliberada foi dar um tom avermelhado para a ilustração, digitalmente. Diferente das outras ilustrações da série Diário Crítico que são todas em tons de cinza sobre o fundo branco, evidenciando a simplicidade do lápis, para este ano optei pela utilização eventual de cores para enfatizar determinados elementos. Neste, a clara alusão à violência.
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